Promoción de la salud a través del arte: estudio de caso de un taller de fotografía en “Ciudad Oculta”, la villa Nº 15 de la Ciudad de Buenos Aires

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Resumen: El presente trabajo analiza las potencialidades del arte comunitario para pro-mover la salud y el bienestar entre jóvenes que viven en contextos de vulnerabilidad social en América Latina. A través de un estudio de caso se propone aportar elementos para el debate teórico y metodológico de una problemática central en promoción de la salud: la distancia entre su retórica, basada en una concepción de salud amplia -entendida como proceso colectivo e integral, influido por aspectos sociales, económicos, ambientales y culturales- y la mayor parte de las prácticas que bajo esta filosofía se han realizado en nuestra región, intervenciones de tipo preventivo organizadas alrededor de conceptos de enfermedad y que responden a modelos teóricos individualistas. El caso seleccionado es “ph15”, una experiencia de educación fotográfica gestionada por un grupo de fotógrafos en “Ciudad Oculta”, la villa Nº 15 de la Ciudad de Buenos Aires. La investigación muestra que los jóvenes perciben cambios individuales y colectivos como consecuencia de participar en este taller, cambios que pueden vincularse al concepto de salud en sentido amplio. Así, una experiencia que no fue pensada para promover la salud puede aportar elementos para diseñar intervenciones más acordes a la filosofía en promoción de la salud.
Enlace al artículo completo: http://www.scielo.org.ar/scielo.php?pid=S1851-82652009000300004&script=sci_arttext&tlng=pt

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CINE Y EDUCACIÓN SOCIAL

Artículo: CINE Y EDUCACIÓN SOCIAL

Mª CARMEN PEREIRA DOMÍNGUEZ

Revista de Educación, num 338 (2005),  pp.205-228

El presente artículo trata de demostrar cómo el cine puede ser un elemento claramente formativo, además de un apoyo metodológico en la intervención pedagógica y hace incidencia en algunas profesiones que pueden aprovecharse  del séptimo arte como soportes de complementación profesional. La historia y desarrollo del cine como arte e industria y la pléyade de directores que han hecho películas que ayudan a la conformación de una escala de valores son argumentos suficientes para que podamos contar con el cine como un  recurso didáctico para hacer una pedagogía más acorde con la realidad de los tiempos que vivimos.

¿La mediación artística como arte? ¿El arte como mediación artística?

Bazon Brock, Escuela de visitantes, Documenta 4, 1968, Museum Fridericianum, Kassel. Foto: Hans Puttnies © documenta Archiv
Bazon Brock, Escuela de visitantes, Documenta 4, 1968, Museum Fridericianum, Kassel. Foto: Hans Puttnies © documenta Archiv

O por qué el arte y la mediación artística a veces son lo mismo.
Los desarrollos en el arte del siglo XX y los desarrollos en la mediación artística de los últimos cuarenta o cincuenta años han conducido a expresiones, formas, posibilidades de repercusión y de actuación en ambos terrenos que no sólo son comparables sino que también tienen cosas en común e incluso pueden ser coincidentes.

Después de que el arte, en el siglo XIX, se liberase de conexiones culturales tradicionales y de una función hasta entonces primordialmente ilustrativa, reclamando una nueva autonomía artística, en el siglo XX el concepto de arte y la praxis artística no sólo traspasaron una tras otra las correspondientes fronteras inmanentes propias de los géneros pintura, escultura, artes plásticas y gráficas, fotografía, etc., sino que también cuestionaron y ampliaron las fronteras del sistema arte en sí mismo. Destacados ejemplos de ello son los ready mades de Marcel Duchamp, las Brillo Boxes de Andy Warhol y el Pop Art, el arte conceptual o el complejo performance/Fluxus/happening. Sus trabajos artísticos suscitaron cuestiones acerca de la comprensión del arte, su valoración, su (in)materialidad, su producción y presentación, y acerca del rol y las intenciones del artista.

Se podría pensar que la mediación artística no tiene para mostrar ningún discurso propio de esta clase, puesto que su norte lo constituye la praxis artística, junto con los conceptos y las teorías, cuya comunicación se encuentra en primer plano, y por lo mismo más bien se equipara con una prestación de servicios “dependiente”. Por lo demás, la mediación artística institucionalizada era y es algo tradicionalmente ligado de manera muy estrecha con la enseñanza escolar y la educación. Por ello mismo, las discusiones y desarrollos se hallan limitados con frecuencia a un ámbito nacional y difieren en el contexto internacional. Sin embargo, la mediación artística también ha ampliado fundamentalmente sus contenidos, sus concepciones, sus métodos y sus campos de actividad. Así por ejemplo, en Alemania, durante las décadas de 1960 y 1970, las ciencias y las asignaturas universitarias y escolares cambiaron de nombre transitoriamente, o bastantes veces; se aprendía, por ejemplo “Educación estética” o “Comunicación visual” en vez de “Educación artística” o “Pedagogía del arte”. En la década de 1980, no es tanto el arte sino los medios visuales los que dominan el panorama de la discusión pedagógico-artística. Decisivo para ello fueron las controversias acerca de con qué conceptos podía hacerse justicia a los desarrollos en el arte, en la pedagogía, en la sociedad y su demanda de instrucción.

Esas controversias continúan hasta hoy, habiéndose desplazado hacia la artística mediación del arte. Carl-Peter Buschkühle, profesor de Pedagogía del Arte, solicitó en el 2004, en la publicación Los pedagogos de arte tienen que ser artistas. Acerca del concepto de la educación artística, que no se colocase en primer término la transmisión de conocimientos sobre el arte, sino la apropiación del “pensamiento artístico”, para percibir y modelar la propia vida. También Pierangelo Maset, profesor de Arte y su Didáctica, habla de una dimensión de la mediación artística que incluya los procesos artísticos y desarrolle algunos semejantes. Un precursor importante en este sentido fue Joseph Beuys, que fue conocido como artista por su “concepto ampliado del arte”: Beuys subrayó la integración de contenidos artísticos y culturales en otros espacios comunitarios y para la configuración de relaciones sociales, un propósito claramente (artístico-)pedagógico que trató de aplicar él mismo en su propio trabajo.

Estos esfuerzos en pro de una autonomía y un simultáneo abandono de la pura transmisión de conocimientos fueron apoyados también por la otra parte. En Alemania, por ejemplo, las asociaciones artísticas reconocieron pronto que, con las formas nuevas y experimentales del arte contemporáneo que propagaban, otros accesos al arte despertaban intereses que iban más allá de los análisis y la interpretación de las obras de arte y las correspondientes explicaciones para los visitantes.

¿Y hoy? Tanto en la mediación artística como en el arte existen a nivel internacional planteamientos interdisciplinarios que no sólo incluyen a ciencias como la sociología, la sicología, los estudios culturales, los de género, las ciencias naturales y la economía, sino también accesos a los mundos de lo cotidiano, la vida y los medios. En algunos proyectos actuales, la línea de separación entre el arte y la mediación artística no puede trazarse de manera razonable, o es sencillamente irrelevante.

En las Documenta 4, 5 y 6, Bazon Brock se dio a conocer ya en Alemania a través de su escuela de visitantes, una especie de “action teaching” que debía aproximar al público el arte contemporáneo pero que también funcionaba como un happening desbordado. Bazon Brock continúa activo y agitador hasta el día de hoy, como artista de performances, pedagogo, mediador y crítico de arte, autor, moderador y profesor de Estética, sin parangón en el mundo del público y del arte.

Bajo el título “Lo que amas también te hace llorar”, el artista Tobias Rehberger concibió una cafetería completamente de diseño para la 53.a Bienal de Venecia (2009), y le concedieron el León de Oro, siendo la fundamentación del Jurado que había conseguido que la comunicación social se convirtiera en una práctica estética.

Lo diferente y lo especial de este arte se trata de expresar por medio de conceptos tales como arte público o arte en espacios públicos, arte orientado hacia la acción o arte procesual, arte relacional, arte de acción, lecturas performance, arte de base comunitaria y proyectos artísticos participativos. En ninguno de estos enfoques están ya en primer plano unos objetos o unos trabajos relacionados con materiales, sino que, con ayuda de la comunicación, del intercambio y la interacción se centran en la relación con los interesados en el arte o la (buscada o casual) implicación de terceros en la creación y el uso de una obra. Pero de ese modo, y en último término, tales conceptualizaciones y los contenidos de este arte transmiten exactamente lo mismo que los enfoques semejantes a ellos y usados por los mediadores artísticos.

El desarrollo de la comunicación y las relaciones con otras personas, la comprensión, el tomar en cuenta distintas maneras de observación y planes experimentales son estrategias establecidas y fundamentos de la mediación artística. A más tardar es aquí, pues, donde vienen a encontrarse los propósitos del arte y de la mediación artística.

Pero el hecho de que se equiparen en algunos aspectos no quiere decir que sean intercambiables a voluntad, o que no se necesite más de una mediación artística profesional y autónoma. Tampoco significa que el arte participativo, el arte relacional, el arte de base comunitaria, o comoquiera que estén orientados los proyectos, automáticamente sean buenos proyectos de arte o de mediación artística. Además de ello habría que preguntarse si un proyecto desarrollado a partir de la responsabilidad para con la sociedad y el prójimo no será sencillamente sólo un proyecto motivado ética, social, ecológicamente, etc., y quizás no sea un proyecto artístico.

Exceptuando estas reservas, es indiscutible que el arte y la mediación artística también, y justamente a causa de sus entrecruzamientos, pueden preparar el terreno para otras formas de vida pública. De cuál de ambos campos provengan los responsables y las ideas, eso es algo ya de importancia secundaria.

Eva Schmitt (1974) estudió Pedagogía del Arte, Ciencias Empresariales y Psicología en Fráncfort/M., España y Estados Unidos. Desde 2007, trabaja en la sección de las artes visuales del Goethe-Institut.
Traducción del alemán: Ricardo Bada Copyright: Goethe-Institut e. V., Humboldt Redaktion Diciembre 2011.

(fecha de consulta 08/11/2012)

Transformarse y reinventarse para conseguir más recursos

Transformarse

Que no se te vaya la vida tratando de ganártela
Que no se te vaya la vida tratando de ganártela

Experiència artística i producció culturalhttp://sand.org.es/2012/alternativa-a-la-crisis-descubre-tu-propuesta-de-valor/ Finalizó la época de gran disponibilidad de fondos, los  recursos que antes fluían con una relativa facilidad, previo cumplimiento de requisitos, ahora ya no están disponibles ni en número ni en facilidad de acceso. A a este problema de futuro, se añade uno presente: la tensión en la tesorería generada por los retrasos en la recepción de fondos aprobados y comprometidos en proyectos. Como resultado final, la financiación de gran parte de entidades no lucrativas ha quedado seriamente afectada y su supervivencia, que ya no sostenibilidad, está en alto riesgo a corto plazo. Lo primera respuesta que puede pensar un gestor de cualquier entidad es tratar de adaptarse a la realidad actual: posicionar la situación en el ahora, ajustarse el cinturón y reducir gastos al máximo para responder con austeridad a la situación de carestía actual, quedando a la espera de la llegada de una situación más favorable. La idea sería ajustar el gasto a la inversión recibida, flexibilizar las estructuras y costes fijos y priorizar proyectos.  Esta es una buena idea para optimizar la gestión y para responder a una crisis  y sería viable si la situación fuera de corto plazo y tras este escenario se produjera un retorno al anterior escenario de mayor disponibilidad de fondos. Sin embargo la perspectivas a largo plazo de la administración no son el retorno a las anteriores partidas de fondos ni en cuantía ni en metodología, por otro lado parece ya claro que la sociedad tampoco será la misma cuando finalice este periodo sostenido de crisis y sus necesidades pueden evolucionar. Por tanto un escenario de ajuste continuo iniciará con austeridad en gastos, reducción de efectivos hasta la pérdida de activos humanos (en el sentido de capacidad y expertise) que implicarán la menos eficacia en los proyectos, que a su vez irán desapareciendo en la misma media que lo hagan los fondos, lo que también conllevará un alejamiento de la sociedad, hasta llegar al fin de la entidad. Esto ocurrirá antes o después o ya está ocurriendo. Resto del texto en el enlace.

Influencia de la actividad musical en pacientes crónicos internados en un asilo psiquiátrico

http://es.scribd.com/doc/110238774/INFLUENCIA-DE-LA-ACTIVIDAD-MUSICAL-EN-PACIENTES-CRONICOS-INTERNADOS-EN-UN-ASILO-PSIQUIATRICO-I

Actividad musical y psiquiatria
Actividad musical y psiquiatria

Enlace por el que se puede acceder a la investigación, presentada en Uruguay en 2001. Información facilitada por Gabriela Berti

Recursos en Internet – Educación Artística

Recursos internet educación atística
Recursos internet educación artística

Documento con enlaces de interés sobre educación artística: Recursos en Internet – Educación Artística